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Tour d'horizon des critiques : le meilleur des temps, le pire des temps

Tour d'horizon des critiques : le meilleur des temps, le pire des temps


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Dans les mots célèbres de Forest Gump, « La vie est comme une boîte de chocolats ; vous ne savez jamais ce que vous allez obtenir », et cela était certainement vrai pour les critiques de restaurants à travers le pays cette semaine, car ils ont raconté un large éventail d'expériences culinaires. Deux qui illustrent parfaitement les divers triomphes et échecs rapportés sont la critique élogieuse de Providence Cicero de Café Juanita, et Pete Wells décimation de Giada De Laurentiis dans Giada Las Vegas.

Le prédécesseur de Cicéron, Nancy Leson, a décerné 3,5 étoiles au Café Juanita lors de sa première critique en 2008, et le critique actuel du Seattle Times a donné la même chose au restaurant et à sa chef, Holly Smith. Bien que le menu de la cuisine du nord de l'Italie comprenne toujours certains des mêmes plats qui ont séduit les premiers invités et peu de temps après son ouverture, comme "le lapin braisé au vin d'Arneis, un plat extraordinaire qu'elle n'ose pas retirer du menu", insiste Cicéron " Cette carte reste familière mais loin d'être fixée. Après une description alléchante de certains des plats servis, comme "Gnocchis au fromage de chèvre pas plus gros que la pointe d'un petit doigt niché au milieu des fèves et des éclats de guanciale crépitants (bajou de bajoue de porc), arrosé avec parcimonie avec une réduction intense de beurre, d'huile d'olive, d'aromates, de vin et de brodo, un bouillon complexe qui est un ingrédient clé de l'arsenal de Smith », conclut-elle en expliquant pourquoi le restaurant a raté de peu la barre des quatre étoiles. : « les verres à pied et les fleurs fraîches de Riedel ne peuvent pas dissimuler que la maison de 62 ans 'a besoin d'amour' » mais rappelle que « De l'apéritif servi avec de petites bouchées assorties aux délicieux biscotti, le Café Juanita maintient un niveau d'excellence rare dans ces parties. La nourriture et le service méritent quatre étoiles.

Pete Wells a malheureusement eu une expérience complètement différente dans la cuisine italienne de celle de la star de Food Network, Giada De Laurentiis, récemment ouverte, restaurant éponyme de Las Vegas. Dorer le lys est un passe-temps favori dans la capitale mondiale du jeu, mais le critique de restaurant du New York Times a trouvé que l'image de marque écrasante utilisée dans le décor du restaurant était un choix rebutant, et appelle d'emblée le concept global du restaurant en question : « un serveur a dit : « L'idée du restaurant est que Giada veut que vous vous sentiez comme chez elle. » Peu de maisons ont 260 places assises ou une vue panoramique sur les émissions synchronisées des fontaines du Bellagio. Mais si l'intimité domestique est rare à Giada… il ne fait aucun doute à qui elle appartient. Il continue avec la nourriture, par laquelle il a été extrêmement déçu, et attaque une fois de plus toute la philosophie culinaire de De Laurentiis en décrivant la nourriture comme "dans un mode californien-italien détendue et accessible, et rien de tout cela n'est très difficile à laisser sur la plaque." Wells n'a clairement rien apprécié de la nourriture, car il a utilisé des adjectifs tels que « flasque », « fade » et « transformé » pour décrire son repas. Complètement peu amusé par l'ensemble de l'opération du célèbre chef, il pense que cela "a plaidé contre l'opinion commune selon laquelle la nourriture simple est la meilleure".

Tour d'horizon des critiques de restaurants : 14/08/14

Critique

Publication

Restaurant

Évaluation

Devra d'abord

Boston Globe

L'Abbaye

2 étoiles

Pete Wells

Les New York Times

Giada

Négatif

Gaël Greene

Le critique insatiable

Bodega Negra

Mixte

Tom Sietsema

Washington Post

701

2 étoiles

Scott Reitz

L'observateur de Dallas

Maison Bowen

Mixte

Brad A. Johnson

Registre OC

Lola Gaspar

2 étoiles

Jonathan Or

Le temps de Los Angeles

Aqui Es Texcoco

Positif

Michael Bauer

Chronique de San Francisco

Brasserie Gaspar

2,5 étoiles

Providence Cicéron

Le temps de Seattle

Café Juanita

3,5 étoiles

Kate Kolenda est la rédactrice du restaurant/guide de la ville au Daily Meal. Suivez-la sur Twitter @BeefWerky et @leconversant.


Brownie Roundup – Les meilleures recettes de brownies sur le Web

Il est à nouveau temps de présenter les meilleures recettes de brownies des blogueurs du Web. Le mois dernier était très amusant. Voici comment j'ai sélectionné ces recettes :

Parfois, c'est un ingrédient unique. D'autres fois, c'est la présentation. Et parfois, ce n'est qu'un caprice. Quelle qu'en soit la raison, ces recettes de brownies de la blogosphère ont été mémorables pour moi.

Et sans ordre particulier, c'est parti !

1. Brownies à la bière de Kitchen Frolic – Celui-ci m'a atteint sur Twitter, tout comme la plupart des recettes de brownies que je rencontre. Après l'avoir lu, j'ai été inspiré pour commencer à planifier mes propres brownies à la bière. Du stout au chocolat, peut-être ?

2. Brownies au triple chocolat de The Hungry Mum – Je suis allé plusieurs fois sur son site Web, et je dois dire que l'une de mes choses préférées à propos de The Hungry Mum est son enthousiasme. C'est contagieux ! Découvrez son gâteau Margarita pendant que vous y êtes.

3. Boozy Brownies par What Claire Baked – Ah, ça a été un mois bien arrosé. D'abord la bière, puis le champagne, puis l'alcool. Que puis-je dire ? L'alcool va vraiment avec le chocolat.

4. Brownies au chocolat cru par Custard ou Cream – OK, je l'admets, je ne suis pas du genre cru ou végétalien. Et oui, Custard or Cream était dans la rafle du mois dernier. Mais j'ai dû jeter celui-ci juste parce que j'admire l'effort qu'il faut pour essayer de faire des choses sans beurre, sans œufs ou sans chaleur.

5. 15 recettes de brownies décadents de My Baking Addiction – Mon amie blogueuse Jennifer de Kitchen Serf (voir ci-dessous) m'a envoyé un lien vers cet article, et c'est autre chose. Il y a 15 recettes de brownies différentes parmi lesquelles choisir. My Baking Addiction, votre rafle a été arrondie, et je pense que nous en sommes d'autant plus riches.

6. Brownies au caramel salé par Kitchen Serf – Ma toute première affiche invitée ! J'ai été honoré d'avoir le talentueux et drôle Kitchen Serf contribuer à The Perfect Brownie ce mois-ci. J'adorais le caramel fait maison, donc cette recette était facile à vendre.

Et mon propre brownie préféré ce mois-ci doit absolument être mon gâteau au brownie au champagne. Plus d'alcool ! Huzzah !

De plus, je dois mentionner que pour chaque publication possible, je l'ai également partagée sur ma page Facebook.

C'est donc tout le monde, revenez à tout moment pour plus de brownies et assurez-vous de vous enregistrer le mois prochain pour le Brownie Roundup. Même temps de brownie, même canal de brownie.


Les critiques qualifient « Suicide Squad » de « désastre décevant »

Regardez les images officielles de "Suicide Squad" révélées au Comic-Con.

Les critiques pour &ldquoSuicide Squad,&rdquo la dernière offre de super-héros de Warner Bros. et le sauveur potentiel de l'été, ont commencé à affluer, et elles sont décidément ternes.

La réaction tiède est probablement une déception pour les fans de DC qui espèrent un rachat après que & ldquoBatman v Superman: Dawn of Justice & rdquo a prouvé que deux super-héros ne valaient pas mieux qu'un. À ce stade, &ldquoSuicide Squad&rdquo obtient un 47, sur la base des critiques de 26 critiques sur le site d'agrégation de critiques Metacritic, par rapport aux 44 enregistrés par &ldquoBatman v Superman&rdquo.

Voici ce que certains critiques disent de &ldquoSuicide Squad.&rdquo

Les comparaisons avec le redémarrage terne de 2015 & ldquoFantastic Four & rdquo étaient répandues dans bon nombre des premières critiques de & ldquoSuicide Squad, & rdquo, certains, comme Travers, allant jusqu'à considérer ce dernier comme un raté plus important, accablant les critiques compte tenu de l'accueil critique odieux de l'ancien.

&ldquoMon cœur a coulé pendant la grande bataille du film entre l'escouade et les soldats zombies. Vous m'avez entendu : zombies ! Les morts-vivants ne sont pas les seuls clichés qui rongent le potentiel de ce matériau. Les superfreaks deviennent des supersweeties et &lsquoSuicide Squad: Dawn of Dullness&rsquo (mon sous-titre) fait l'impossible. Oubliez Batman v Superman & mdash au moins il a essayé. Ce travail bâclé fait que &lsquoFantastic Four&rsquo a fière allure.&rdquo

-- Peter Travers, Rolling Stone

Une autre critique récurrente du film portait sur le fait qu'il est si chaotique que son incohérence en devient en réalité ennuyeuse.

&ldquoCette séquence d'ouverture a toute l'excitation d'une réunion RH légèrement controversée, et le film ne s'améliore pas à partir de là. Fade, ennuyeux et parfois à la limite de l'incohérence, &lsquoSuicide Squad&rsquo est un désastre décevant.&rdquo

-- Matt Singer, ScreenCrush

Les informations critiques qui peuvent s'avérer les plus dévastatrices pour les fans qui attendent avec impatience le film sont la façon dont il utilise les personnages sacrés Harley Quinn (Margot Robbie) et le Joker (Jared Leto).

Alors que Robbie semble être trahi par le matériel qu'elle a donné, Leto, après toute la ferveur suscitée par ses singeries pendant le tournage, aurait si peu à faire dans le film que sa performance est plus camée qu'autre chose.

&ldquoL'entrée de Harley Quinn est le meilleur moment de Suicide Squad. Après cela, vous pouvez partir. Robbie est une actrice criminellement attrayante, sympathique à peu près à tous points de vue, mais cette introduction mise à part, &lsquoSuicide Squad&rsquo ne la sert pas bien. Il ne sert bien personne, encore moins son public.»

-- Stéphanie Zacharek, Temps

&ldquoComme Tony Montana si Jim Carrey avait joué dans &lsquoScarface,&rsquo Leto est en partie gangster et en partie clown, mais il ne fait pas vraiment partie de ce film. Ayer ne trouve jamais rien à faire pour le personnage, et le rôle de Leto est donc réduit à un caméo glorifié, prélude à une performance plus importante dans un futur versement.

-- David Ehrlich, IndieWire

Une grande partie du blâme pour les échecs du film semble retomber sur les épaules du réalisateur David Ayer, car les critiques ont parfois trouvé que ses choix trop stylisés nuisaient au récit du film.

&ldquoInutile de dire que les fioritures stylistiques, comme les méchants instables, sont abondantes dans &lsquoSuicide Squad&rsquo. Le plaisir est de se laisser aller à chaque petite bêtise. Vous aimez les montages et les flashbacks ? [David] Ayer les aime. Il ne peut pas en avoir assez. Il s'appuie beaucoup trop sur les deux pendant beaucoup trop longtemps dans un film tellement bourré de personnages colorés qu'il n'y a presque pas de place pour une intrigue réparable.

- Jen Yamato, la bête quotidienne

Bien sûr, certains critiques étaient simplement impatients d'arriver à la partie où ils pourraient faire des jeux de mots sur le fait que le film était mauvais et comment il devrait peut-être se tuer.

&ldquoL'action des étapes intermédiaires et ultérieures du film se déroule en grande partie dans une obscurité sombre qui rappelle beaucoup trop de films de science-fiction / fantastique précédents, et à ce stade, les vestiges de l'humour et de l'instantané d'ouverture sont tombés à l'eau. &lsquoSuicide Squad&rsquo n'a peut-être pas tout à fait commis du harakiri, mais on a certainement l'impression qu'il a pris beaucoup trop de somnifères.&rdquo

Mais aucun critique de & ldquoSuicide Squad & rdquo n'était aussi lyriquement exquis que Vanity Fair & rsquos Richard Lawson, qui a saccagé le film pour n'avoir même pas réussi à être terriblement intéressant et à commettre le péché cardinal de super-héros d'être ennuyeux.

&ldquo &lsquoSuicide Squad & rsquo est mauvais. Pas amusant mal. Pas rachetable mauvais. Ce n'est pas le genre de mal qui est le résultat malheureux d'artistes qui luttent honorablement pour quelque chose d'ambitieux et qui échouent. &lsquoSuicide Squad&rsquo est tout simplement mauvais. C'est laid et ennuyeux, une combinaison toxique qui signifie que le film à la violence hautement fétichisée n'a même pas le picotement excitant du méchant ou du tabou. (Oh, comme le film veut être ces deux choses.) C'est simplement une corvée ennuyeuse imprégnée de machisme flasque, une traînée informe et mal éditée qui ajoute un sexisme légèrement épouvantable et même une soupe et cedilon de racisme à son pistolet abondant et horriblement chronométré adorer.&rdquo

-- Richard Lawson, Vanity Fair

Toutes les critiques n'étaient pas aussi accablantes, Brian Truitt a trouvé le plaisir caché parmi le marketing vert néon.

&ldquoComme &lsquoThe Dirty Dozen&rsquo pour la génération Hot Topic, l'équipe reçoit des présentations directes et les choses deviennent de plus en plus mentales à partir de là. Mais par rapport à son acabit, &lsquoSuicide Squad&rsquo est un majeur extrêmement excentrique et fièrement levé pour l'établissement guindé des films de super-héros.&rdquo

-- Brian Truitt, États-Unis aujourd'hui

Et maintenant, les critiques ont parlé. C'est aux fans de décider si cette équipe est à la hauteur de la tâche ou, si, comme le lit le matériel promotionnel, ce sont les &ldquoWorst. Héros. Jamais.&rdquo


In Memoriam : les critiques de restaurants les plus cinglantes de AA Gill

Il y a quelques semaines à peine, l'éminent critique culinaire britannique AA Gill a annoncé qu'il avait reçu un diagnostic de cancer – peut-être à juste titre, dans une critique. Au cours du week-end, le Horaires du dimanche a confirmé que Gill était décédé.

Gill était connu pour son esprit finement aiguisé et ses observations et évaluations acérées des restaurants qu'il couvrait (ainsi que d'autres phénomènes culturels), pas seulement pour le dimanche Fois, mais aussi Salon de la vanité, les New York Times, et plus.

En l'honneur des éliminations raffinées de Gill, voici un résumé de certaines de ses critiques les plus cinglantes qui détruisent les crimes les plus odieux contre la nourriture et la restauration.

66 (New York)

Gill est passé par le restaurant Tribeca 66 pour un Salon de la vanité critique en 2003, et n'était pas vraiment d'accord avec sa perception de soi comme une "fusion de design moderne et de haute cuisine chinoise".

Dire que la nourriture est horriblement répugnante reviendrait à lui attribuer une vim, une vigueur et une attitude qu'elle ne peut tout simplement pas atteindre. Les bols et les plats bave et boitent jusqu'à la table avec une lassitude béante. Un ennui vain et vide. Ils n'étaient pas tellement présentés comme fanés et pliés à mort. Tout était préparé avec ce style culinaire le plus déprimant et le plus décadent – ​​la fantaisie tiède. Dites-moi, du haut de votre tête, quels devraient être les deux attributs de la soupe aigre-douce ? Prends ton temps. Ce n'était ni l'un ni l'autre. Ni quoi que ce soit d'autre.

L'Ami Louis (Paris)

Pour un 2011 Salon de la vanité critique, Gill a visité ce bistrot parisien, qu'il a qualifié de favori parmi les visiteurs anglophones de haut niveau de la ville.

Alors pourquoi les Américains et les Anglais viennent-ils ici ? Des hommes qui, chez eux, sont pointilleux et pointilleux sur tout, qui se considèrent épicuriens et cultivés. Des hommes qui choisissent leurs propres cravates et à qui l'on confie des ciseaux et des entreprises, qui se sont « sophistiqués » sur leurs pages Facebook. Pourquoi continuent-ils à venir ici ? Ils ne peuvent pas tous avoir des tumeurs cérébrales. La seule réponse rationnellement envisageable est : Paris. Paris a des super-pouvoirs Paris exerce un champ de force mercuriel. Cette vieille ville a des connotations culturelles si convaincantes et des phéromones esthétiques, une liste de distribution si nostalgiquement séduisante, qu'elle défie tout jugement. C'est une astuce de confiance qui peut faire oreille de cochon hors de l'oreille d'une truie - la réputation et les attentes sont le MSG de la gastronomie.

Mais encore, il est indéniable que L'Ami Louis est vraiment spécial et à part. Il a obtenu une distinction épique. C'est, tout bien considéré, entre nous, le pire restaurant du monde.

Café Royal (Londres)

Il a peut-être été affilié au luxueux hôtel cinq étoiles Café Royal, mais pour Gill's Horaires du dimanche critique, cela signifiait que ce restaurant du centre de Londres n'avait plus qu'à chuter.

Le repas le plus déprimant et le plus désagréable, dans un bâtiment anémique et résonnant, rendu encore plus horrible par les fantômes tristes et silencieux d'un siècle de culture, d'élan et d'éclat bibliographique.

Le Tiroler Hut (Londres)

Le restaurant Tiroler Hut de Notting Hill est connu pour essayer de créer l'expérience la plus autrichienne possible dans une situation culinaire. Gill n'a pas été impressionné.

J'ai goûté un steak, une escalope, un appât de hareng, le tout immangeable, à moins d'être aussi saoul que tout le monde dans la pièce, ou sous la surveillance de la mort dans une maison de retraite.

Ballymaloe House (Cork, Irlande)

Ce restaurant a été considéré comme « le foyer spirituel de la cuisine irlandaise » par le Temps irlandais, une caractérisation qui n'a pas résonné pour Gill.

Une salle à manger qui avait peut-être déjà été épique et qui était maintenant juste suffisante. . . triste et cher.

Ce n'était pas le commentaire le plus tranchant de Gill, fait intéressant. Les Temps irlandais portait la réponse du restaurateur - et il ne semblait pas trop dérangé.

Theo Randall (Londres)

Gill sur le restaurant haute-italien éponyme du chef britannique Theo Randall :

Il semblait que tous les ingrédients avaient été passés dans une déchiqueteuse de bureau avec une demi-pinte d'eau et conservés sous une lampe chaude depuis l'heure du déjeuner.

Aubergine (Londres)

Le meilleur exemple des critiques mordantes de Gill est peut-être revenu à la fin des années 90. Avant que Gordon Ramsay ne crie sur les gens à la télévision, il le faisait dans les cuisines – y compris un incident où il a éjecté Gill de l'un de ses restaurants en représailles pour une précédente critique d'Aubergine, dans laquelle le critique décrivait Ramsay comme :

Un sportif raté qui se comporte comme un enfant de 11 ans

Si le travail numéro un d'un critique est d'exprimer des opinions avec une honnêteté brutale, Gill a certainement réussi.


100 critiques de cinéma ne peuvent pas se tromper, n'est-ce pas ? : Le choix consensuel des critiques pour le « meilleur » film de 88 est . . . un documentaire!

Les critiques de cinéma sont un lot imprévisible. Dans le 9e sondage annuel de Calendar auprès de 100 critiques de journaux et de magazines du pays, le documentaire sur le crime dormant, "The Thin Blue Line", a devancé le jeu de baseball et de sexe "Bull Durham" et le blockbuster bunny hop "Who Framed Roger Rabbit" comme choix consensuel du « meilleur » film de 1988.

L'échantillonnage reflète un équilibre géographique global et ne comprend que les critiques qui ont soumis des avis de fin d'année.

Comme d'habitude, il y avait de quoi se quereller et se disputer. Plus de 200 films, un record, ont reçu au moins un "meilleur" vote d'un scribe quelque part - et un nombre égal a marqué dans la colonne "pire".Il y avait plus de disparité que d'accord dans l'ensemble, à l'exception de l'évaluation étonnamment répandue que, dans l'ensemble, ce fut une très bonne année cinématographique.

"Les critiques ont levé le pouce en l'air avec enthousiasme au cours de ces 12 mois plus souvent que dans n'importe quelle année de mémoire récente", a déclaré William Arnold, Seattle Post-Intelligencer.

Les deux critiques du Kansas City Star ont déclaré qu'ils avaient classé plus de films 4 étoiles ou 3 étoiles 1/2 que dans n'importe quelle autre année des années 1980. Carrie Rickey, Philadelphia Inquirer, a déclaré catégoriquement que c'était la meilleure année pour les films américains depuis 1939, l'apogée de l'âge d'or d'Hollywood, l'année d'"Autant en emporte le vent".

Ce fut l'année la plus populiste de la décennie pour les critiques de cinéma : cinq des films ont reçu un solide soutien critique, dont « Big », « Die Hard », « A Fish Called Wanda » et « Beetlejuice ». Les comédies en boucle et les longs métrages d'animation (à la fois « Land Before Time » de Steven Spielberg (et Universal) et « Oliver & Company » de Disney) se sont imposés lors du vote avec les thrillers de mauvais augure.

Parmi les films étrangers les mieux classés figuraient le drame anti-apartheid se déroulant en Afrique du Sud, «A World Apart», «Wings of Desire» de Wim Wender et «Au Revoir les Enfants» de Louis Malle. Un autre, souvent cité sur les « meilleures » listes, était « Babette's Feast », le film danois basé sur une nouvelle d'Isak Dinesen. C'était une valeur sûre, vu que "Le Festin de Babette" a remporté l'Oscar du meilleur film étranger l'année dernière et a finalement remporté une large diffusion au cours de l'année.

Ce fut une année record pour les documentaires sérieux. "The Thin Blue Line" d'Errol Morris s'est classé plus haut que tout autre documentaire dans l'histoire de l'enquête. (Son enquête circonstanciée sur un meurtre de flic a non seulement impressionné les critiques, mais a en fait entraîné un nouveau procès pour l'accusé au Texas.)

Parmi les autres documentaires recevant les meilleurs votes, citons "Vincent", "Dear America: Letters Home From Vietnam", "The Decline of Western Civilization Part II: The Heavy Metal Years" et l'épopée de Marcel Ophul "Hotel Terminus: The Life and Times of Klaus Barbie". "

Le New York Film Critics Circle a choisi l'adaptation d'Anne Tyler, "The Accidental Tourist", qui n'a été diffusée que dans quelques villes du pays, comme le meilleur film de 1988. L'association des critiques de LA a choisi le dickensien "Little Dorrit, " le National Board of Review s'est prononcé sur le flashback des droits civiques, " Mississippi Burning ".

Et comme d'habitude, les critiques des petits marchés ont dû faire face à des schémas de distribution préférentiels qui ont amené les candidats aux Oscars de l'année dernière dans leurs cinémas locaux en 1988. contingents des «rubes», comme Duane Dudek du Milwaukee Sentinel décrit avec bonhomie les critiques de Johnny-come-dernièrement.

Désormais, ils attendent patiemment « Accidental Tourist », « Little Dorrit », « Talk Radio » et d’autres films acclamés par l’élite bi-côtière, mais invisibles pour la grande majorité du pays.

Mais les critiques de l'arrière-pays prennent leur travail tout aussi au sérieux. Parfois, les deux critiques de l'Omaha World Herald doivent parcourir 80 kilomètres jusqu'à la ville universitaire de Lincoln, dans le Neb., pour assister à une première. Lorsque "Septembre" a finalement ouvert ses portes à Omaha, il n'a joué que trois jours. Et la publicité ne mentionnait même pas le nom de Woody Allen en tant que réalisateur. Bien que "Septembre" ait déjà été considéré comme l'un des "pires" de 1987 par de nombreux critiques, le critique de cinéma du World Herald Jim Delmont a fait l'effort de le voir et, surprise, il l'a aimé. Beaucoup.

Lorsque Delmont et son collègue Jeff Bahr ont présenté leur « meilleur » cette année, comme une sorte de revanche contre le snobisme critique, ils ont opté pour 20 titres, dont deux seulement ont été réalisés en dehors des États-Unis et les deux en Grande-Bretagne. Quatre des « meilleurs » films du World Herald (« Venir en Amérique », « Elle a un bébé », « Voler à la maison » et « La bonne mère ») n'apparaissent sur aucune autre liste de critiques dans ce tour d'horizon.

Personne ne marchande sur ce qui est ou n'est pas permis. Cette année, il y a eu une vague de mentions pour le « candidat mandchou » ressuscité de John Frankenheimer. "Ironiquement, le meilleur film de 1988 est sorti pour la première fois en 1962", a écrit James Verniere du Boston Herald.

La liste est toujours un mélange inéluctable de réactions instinctives personnelles et professionnelles.

Par exemple, Alan Bell de l'hebdomadaire Los Angeles Sentinel, fait partie d'une petite représentation des critiques de films noirs aux États-Unis. Sa meilleure liste comprenait plusieurs films avec des histoires liées à la race, notamment "Hairspray", "Bird", "Mississippi Burning" et "School Daze". Il a également été le seul critique de l'enquête à voter pour "Tougher Than Leather", le Run-D.M.C. film de rap.

Les critiques de cinéma féminines, également une minorité distincte, ont tendance à avoir un point de vue plus féminin. Carrie Rickey admet qu'elle se penche vers des histoires sur les femmes ou dirigées par des femmes. Ou des histoires avec des « hommes domestiqués », qu'elle trouve infiniment plus excitantes que l'image prédominante de « la femme sexualisée – Melanie Griffith, Kim Basinger ou Michelle Pfeiffer à divers stades de déshabillage ».

"Je ne pense pas que toutes les femmes critiques pensent de la même manière", a-t-elle déclaré, "mais historiquement, je pense que beaucoup d'art ou de films sont faits en supposant que les hommes les regardent. Les critiques de cinéma masculins aiment quand ils peuvent imaginer faire l'amour à l'héroïne. J'aime bien quand il y a une héroïne intéressante au lieu d'un héros, ou si je peux imaginer faire l'amour avec le héros.

Le classement annuel est l'occasion pour les critiques de cinéma de le dire haut et fort. Le critique iconoclaste Michael Sragow du San Francisco Examiner est connu pour s'être présenté à la réunion annuelle de la National Society of Film Critics avec ses 10 meilleurs blasonnés sur son T-shirt.

LE TOP 10 DES CRITIQUES DE 1988

Les totaux se réfèrent au nombre de critiques (sur 100 interrogés) qui ont placé chaque film sur leur liste des 10 meilleurs.

1. The Thin Blue Line : 45 2. Bull Durham : 44 3. Who Framed Roger Rabbit : 43 4. A World Apart : 40 5. Rain Man : 39 6. (Cravate) Dernière tentation du Christ Wings of Desire : 34 8 Festin de Babette :29 9. Légèreté d'être insupportable : 28 10. Grand :26

Juste manqué: Femmes au bord d'une dépression nerveuse et A Fish Called Wanda, 25 chacun Dead Ringers, Tucker: The Man and His Dream et Working Girl, 24 chacun Au Revoir les Enfants, 22 Marié à la foule, A Cry in the Dark and Bird, 19 chacun Eight Men Out, 16 Salaam Bombay !, 15.

Par ordre décroissant. (Les totaux réels des votes sont retenus, dans l'esprit d'une Amérique plus gentille et plus douce.)

1. « Cocktail » 2. « Arthur 2 : On the Rocks » 3. « High Spirits » 4. « The Great Outdoors » 5. « Hot to Trot » 6. « Vibes » 7. « Rambo III » 8. « Loyer -un-flic" 9. "Big Top Pee Wee" 10. "Scrooged"


Alternative : Huile de noix de coco vierge biologique

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Critiques de ‘Fate of the Furious’ : ce que disent les critiques

La famille s'emballe pour un autre tour alors que le huitième film de la franchise « Fast & Furious » , « Le destin des furieux » sort en salles vendredi. Et les critiques sont officiellement dans — que disent les critiques à propos de “Fate of the Furious”?

La première réaction critique à l'action-aventure est quelque peu mitigée. VariétéOwen Gleiberman a salué l'entrée comme un "spectacle d'action éblouissant qui prouve que cette franchise est loin d'être à court d'essence". De l'autre côté du spectre, David Ehrlich d'Indiewire l'a qualifié de pire film de la franchise. , “une coquille vide de son ancien moi qui manque de respect à son propre héritage fier à chaque tournant.”

Deux nouveaux ajouts à la série, Charlize Theron et Helen Mirren, ont reçu des avis positifs de la part des critiques. Gleiberman a fait l'éloge de Theron comme d'un méchant as, tandis que David DArcy, de Screen Daily, a qualifié Mirren de "tour délicieux" en tant que mère de Deckard (il convient de noter, cependant, que certains critiques , comme Leah Greenblatt d'Entertainment Weekly, a qualifié le rôle de Mirren de " camée gonflé ").

Voir plus d'extraits d'avis ci-dessous.

VariétéOwen Gleiberman :
“Plus que n'importe quelle entrée précédente, il tire des éléments de tous les niveaux imaginables de la hiérarchie du cinéma d'action. C'est un film de poursuite en voiture à pédales jusqu'au métal. Et un cyberthriller thermonucléaire mondial dans lequel un super-vilain, connu sous le nom de Cipher (Charlize Theron), essaie d'enseigner aux superpuissances mondiales une leçon mortelle. C'est aussi un drame inter-familial plein de suspense qui prend le dur à cuire bourru et fidèle de l'ours en peluche Dominic Toretto (Vin Diesel) et trouve un moyen de l'opposer à tous ses camarades bien-aimés, y compris Letty (Michelle Rodriguez) , qu'il vient enfin d'épouser. Le film est également un rouseur à mains nues ludique et sadique, avec des acteurs comme Dwayne Johnson et Jason Statham infligeant de graves dommages aux os. Vous pensez que la fusion de tous ces éléments ferait de "The Fate of the Furious" un ragoût trop cuit. Mais le réalisateur, F. Gary Gray (‘Straight Outta Compton’), qui a montré une propension à l'action depuis ‘Set It Off’ (1996) et ‘The Italian Job’ (2003), prouve maintenant qu'il est un sorcier balistique de haut vol.

Leah Greenblatt de Entertainment Weekly :
Le scénariste Chris Morgan, maintenant à sa cinquième sortie Furious, écarte la logistique de l'intrigue et les lois de la physique comme les moustiques embêtants qu'ils sont, et le réalisateur F. Gary Gray (‘Straight Outta Compton’) n'a pas l'intention de ralentir son rouler. Mais les films ne sont rien sinon cohérents dans leurs thèmes de loyauté et de fraternité et de faire exploser des trucs et mdashand en conservant l'équipe principale. sont deux autres suites prévues d'ici 2021.”

Screen Daily’s David D’Arcy :
“Ce huitième volet de la franchise ‘The Fast And The Furious’, réalisé par F Gary Gray (‘Straight Outta Compton’), est fiable, contenant de nombreux carambolages de voitures assourdissants pour satisfaire le public principal tout en remuant également de nouvelles fioritures pleines d'esprit dans l'ancienne recette.”

David Ehrlich d'Indiewire :
“‘F8’ est le pire de ces films depuis 𔃲 Fast 2 Furious,’ et c'est peut-être encore pire que ça. C'est le « Mourir un autre jour » de sa franchise et une coquille vide et générique de son ancien moi qui manque de respect à son propre héritage fier à chaque tournant. Comment le grand F. Gary Gray, dont le remake étonnamment fort de ‘The Italian Job’ a fait preuve d'un formidable flair pour le chaos automobile comique, a-t-il gaspillé le plus gros budget de sa carrière dans des fracas aussi ennuyeux? Comment Diesel and co. réussir à tirer toutes les mauvaises leçons des deux derniers films, livrant un épisode où tout semble si faux que même les questions de &ldquofamily&rdquo semblent forcées ?

Jim Vejvoda d'IGN :
“‘The Fate of the Furious’ est aussi ridiculement divertissant que vous pourriez vous y attendre. C'est certainement mieux que ses bandes-annonces, qui ressemblaient davantage à des parodies d'un film Fast and Furious, suggérées. En effet, aucun huitième film d'une franchise n'a le droit d'être aussi amusant ou efficace que ‘Fate’ parvient à l'être.”

John DeFore du journaliste d'Hollywood :
« Le résultat n'est pas un changement de vitesse aussi important que certains fans l'avaient prévu à la suite de la mort du membre de la distribution d'origine, Paul Walker. En fait, il recycle les dispositifs de torsion de l'intrigue des chapitres précédents et maintient l'action fermement dans le quartier des rues qui sauve le monde, entré il y a quelques années. Fate offre exactement ce à quoi les fans s'attendent, pour le meilleur et pour le pire, et ce serait un choc de le voir décevoir les producteurs au box-office.


Les critiques ne peuvent pas s'entendre sur le fait que la "Ligue de justice de Zack Snyder" soit la pire ou un KO

L'attente est presque terminée: "Zack Snyder's Justice League" sortira officiellement dans le monde jeudi.

Communément appelée la «coupe Snyder», cette version révise complètement l'original de 2017 en un opus de 242 minutes, tout comme le réalisateur l'avait envisagé. Le premier "Justice League", pour lequel Snyder est toujours le réalisateur crédité, a été achevé (notoirement) par Joss Whedon après que Snyder a quitté la production en raison d'une tragédie familiale.

Le film a été éreinté par la critique et n'a pas impressionné au box-office. Croire qu'une meilleure version devait exister quelque part, les fans ont fait campagne pour une version coupée de Snyder jusqu'à ce que Warner Bros. et HBO Max cèdent.

La plupart des décors et l'intrigue générale seront familiers à ceux qui ont vu la version théâtrale originale. "Zack Snyder's Justice League" voit à nouveau Batman (Ben Affleck) essayer de rassembler une équipe de super-héros avec Wonder Woman (Gal Gadot) après la mort de Superman (Henry Cavill).

Batman, Superman, Wonder Woman et d'autres superstars de DC Comics écrasent – ​​encore une fois – dans cette coupe de réalisateur énervante de quatre heures, sortie sur HBO Max.

Parmi les nouvelles recrues figurent Flash (Ezra Miller), Cyborg (Ray Fisher) et Aquaman (Jason Momoa), et les héros doivent s'unir pour empêcher Steppenwolf (Ciarán Hinds) de provoquer le début de la fin du monde. La nouvelle coupe de Snyder conserve le ton plus sombre de ses films de super-héros, "Man of Steel" (2013) et "Batman v. Superman: Dawn of Justice" (2016), et regorge d'action CGI lourde et chargée au ralenti. séquences.

Selon les critiques, la seule chose sur laquelle les critiques s'accordent, c'est que ce film est longue - il pointe à un peu plus de quatre heures. Ils considèrent également qu'il s'agit d'une amélioration par rapport à la sortie en salles d'origine où le consensus se décompose quant à savoir si cela fait réellement de "Zack Snyder's Justice League" un bon film (ou une mini-série, si vous choisissez de regarder en plusieurs versements).

Le critique de cinéma du Times, Justin Chang, trouve "des plaisirs éphémères et des sources improbables de fascination" dans la coupe "maximaliste" de Snyder, mais ajoute que le matériel ajouté "semble souvent moins que vital".

"Ayant assisté à cette nouvelle" Justice League "dans son intégralité de 242 minutes, je peux noter que les deux films représentent des approches totalement antithétiques d'un projet qui aurait pu bénéficier d'une troisième option intermédiaire", écrit Chang. "Forcé de choisir entre les deux, la coupe Snyder est probablement celle que je respecte le plus, ce qui ne veut pas dire que c'est celle que je préfère : la 'Justice League' de deux heures était, pour tout son bagage, un exercice observable en dommages contrôle, avec des moments de légèreté bienvenus qui traversent la torpeur trouble de la narration de Snyder.

De même, dans une critique pour le New York Times, Maya Phillips note que "le temps d'exécution surdimensionné [du film] permet à la salle narrative de s'étirer, pour le meilleur ou pour le pire".

"Pour le mieux : il y a une mythologie ambitieuse à l'œuvre, révélant l'épopée que Snyder avait imaginée, un bildungsroman non pas d'un héros mais d'une équipe de héros qui réalisent ensemble des exploits encore plus grands", écrit Phillips. «Pour le pire: Snyder parcourt également une exposition apparemment sans fin et inutile, ajoutant suffisamment d'histoires pour que chaque héros de la Justice League nous pousse à investir dans ces personnages afin que nous nous soucions quand ils enfilent enfin les maillots de l'équipe et sortent sur le terrain . "

Darren Franich d'Entertainment Weekly sonne également l'approche plus c'est mieux de Snyder, mais accepte qu'il s'agit simplement de Snyder étant "le plus grand" Snyder.

« Tout prend une éternité pour aller nulle part », écrit Franich. "Cette coupe n'est pas pire que l'édition théâtrale, mais elle est certainement plus longue."

Pour John DeFore du Hollywood Reporter, cette "Justice League" "reste non améliorée" par rapport à l'original.

"Cette version étendue est peut-être exactement le produit souhaité par la légion de fans de Snyder qui ont crié au ciel pour sa sortie", écrit DeFore. "Mais les non-membres de ce culte le trouveront tout aussi désagréable que l'original."


Écoutez « The Daily » : ce qu'Hollywood continue de se tromper à propos de la race

Animé par Michael Barbaro, produit par Jessica Cheung, Annie Brown et Theo Balcomb, et édité par Larissa Anderson

Wesley Morris se joint à nous pour parler de "Green Book", le dernier d'une série de lauréats d'un Oscar qui se concentre sur le parcours moral d'un personnage blanc dans une amitié interraciale.

Du New York Times, je suis Michael Barbaro. C'est "Le Quotidien".

Aujourd'hui : il y a trois décennies, les Oscars ont décerné sa plus haute distinction à un film sur une passagère blanche apprenant à aimer son chauffeur noir. Dimanche soir, elle a décerné le même prix à un film sur un chauffeur blanc apprenant à aimer son passager noir. Le critique culturel du Times, Wesley Morris, sur l'obsession d'Hollywood pour les fantasmes de réconciliation raciale.

Bonsoir et bienvenue à la millionième cérémonie des Oscars. Nous ne sommes pas vos hôtes, mais nous allons rester ici un peu trop longtemps pour que les personnes qui recevront USA Today demain penseront que nous avons hébergé.

Hier soir, je regardais les Oscars. J'ai été frappé que ce soit John Lewis, ce membre du Congrès, mais surtout, ce légendaire leader des droits civiques, qui a présenté le «Livre vert» lors de la cérémonie de remise des prix.

enregistrement archivé (john lewis)

Je peux témoigner que le portrait de cette époque et de ce lieu dans notre histoire est bien réel.

Et fondamentalement l'a approuvé. Et je n'ai pas vu le film, mais son sceau d'approbation m'a fait penser que j'aurais dû.

enregistrement archivé (john lewis)

Notre nation porte les cicatrices de cette époque, tout comme moi. [APPLAUDISSEMENTS]

Et puis après que "Green Book" ait remporté le prix du meilleur film, plus tard dans la soirée, j'avais lu que Spike Lee, le réalisateur noir, était sorti de la pièce en signe de protestation.

Et que le prix a généré une bonne dose de controverse. Alors ma question est la suivante : que s'est-il passé exactement ici ?

D'accord, eh bien, par où voulez-vous commencer ? Jusqu'où voulez-vous remonter dans l'histoire ?

Partout où vous pensez que nous devrions pour vraiment comprendre cela.

Revenons à 1990, qui est l'année des Oscars pour les films sortis en 1989. Et vous avez une liste des meilleurs films qui regorge de films avec lesquels nous sommes toujours à certains égards.

Si vous le construisez, il viendra.

« Field of Dreams » et « Dead Poets Society ».

Nous sommes de la nourriture pour les vers, les gars. Parce que croyez ou non, chacun d'entre nous dans cette pièce va un jour cesser de respirer.

"Né le 4 juillet."

Les gens disent, si vous n'aimez pas l'Amérique, alors foutez le camp.

Et "My Left Foot", dont on ne parle pas vraiment assez, mais cela a fait de Daniel Day-Lewis une star et lui a donné le premier de ses zillions d'Oscars. Et -

Ma mère est un peu nerveuse.

Le fait est que vous travailleriez pour moi. Elle peut dire tout ce qu'elle veut, mais elle ne peut pas vous virer.

Et rappelez-moi de quoi parlait ce film.

"Au volant de Miss Daisy." "Driving Miss Daisy" est l'histoire d'une vieille dame juive jouée par Jessica Tandy, dont le fils insiste sur le fait qu'elle est trop vieille pour conduire sa voiture. Alors il engage un noir pour conduire la voiture pour elle.

Maintenant, Miss Daisy, vous avez besoin d'un chauffeur. Dieu sait que j'ai besoin d'un travail. Alors pourquoi ne le laissons-nous pas comme ça ?

Son nom est Hoke. Il est joué par Morgan Freeman. Et au cours de, je suppose que c'est peut-être 30 ans, cette relation professionnelle s'approfondit en une sorte d'amitié.

Non, continuez, Miss Daisy. Vous n'êtes pas obligé de —

C'est un fantasme qui se déroule pendant Jim Crow dans le Sud sur une amitié impossible basée sur le travail. Et cela nous fait du bien, parce que vous voyez cette femme aux préjugés dans un climat raciste devenir amie avec cet homme noir qui veut juste la conduire. Fondamentalement, ce qui s'est passé cette année-là, c'est que Kim Basinger sort à un moment donné.

enregistrement archivé (kim basinger)

Bonjour, le monde. Nous avons cinq grands films ici. Et ils sont géniaux pour une raison, parce qu'ils disent la vérité. Mais il manque un film à cette liste qui mérite d'y figurer, car ironiquement, il pourrait dire la plus grande vérité de toutes.

Et elle dit, oh, attendez une minute, quelque chose n'est pas dans cette catégorie. Et c'est le film qui dit la plus grande vérité de toutes.

enregistrement archivé (kim basinger)

Et c'est "Faire la bonne chose".

Célèbre actrice blanche, et dit que quelque chose ne va pas ici. « Faire la bonne chose » devrait être nommé.

Jamais rencontré Spike Lee. Elle sort avec Prince à ce stade. Spike Lee - l'une des personnes préférées de Spike Lee sur toute la planète. Mais je ne pense pas que cela compte vraiment. Quoi qu'il en soit, elle sort et dit ceci, et c'est une chose controversée. La salle ne sait pas trop quoi faire à ce sujet.

Combattre le pouvoir! Combattre le pouvoir!

C'est une parabole qui se déroule le jour le plus chaud de l'année à Bed-Stuy, Brooklyn.

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Qui t'a dit de marcher de mon côté de mon bloc ? Qui t'a dit d'être dans mon quartier ?

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Qui t'a dit d'acheter un brownstone sur mon pâté de maisons, dans mon quartier, de mon côté de la rue ?

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Je ne m'entends même pas penser !

Et toutes sortes de tensions raciales amènent les gens à converger vers cette pizzeria. Et vous avez juste toute cette tension, et les choses débordent. Il y a une mêlée. Quelqu'un meurt aux mains de la police. Ensuite, vous avez une émeute.

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Toujours faire la bonne chose.

C'est de Spike Lee. C'est son meilleur film.

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C'est l'un des plus grands films jamais réalisés dans l'histoire du cinéma américain.

Alors en 1990, quel film remporte finalement le meilleur film ?

Michael, je t'ai dit ce qu'ils étaient. Que pensez-vous gagné?

Et l'Oscar revient à « Driving Miss Daisy » !

Et qu'est-ce que cela signifie que "Driving Miss Daisy" a remporté le prix du meilleur film cette année-là ?

Que c'est la continuation d'une longue tendance d'une sorte de fantasme de réconciliation raciale.

Et que veut dire cette phrase ?

Eh bien, c'est cette idée que vous avez un personnage blanc qui a généralement tendance à être raciste ou fanatique ou préjugé ou autre. Et cette personne fait ce voyage, grâce à cette relation avec une personne noire qui n'a pas de voyage à faire, est juste là pour être moralement un centre où cette personne blanche peut retourner, ou, comme, faire son chemin vers.

Et juste pour être clair, décomposez ce mot « fantasme » pour moi. Qu'est-ce que le fantasme ?

Le fantasme est qu'une exposition prolongée à une personne noire va vous guérir de votre racisme. La personne noire n'a qu'à s'asseoir là et prendre votre argent. Et vous achetez essentiellement un ami, qui vous absoudra ensuite de chaque pensée horrible, de chaque acte raciste que vous avez jamais eu ou fait.

Et à quoi ça ressemble ? Comment ce fantasme, cette dynamique que vous décrivez – comment cela se manifeste-t-il dans la culture pop au cours des prochaines années et peut-être même des décennies ?

Eh bien, passons aux années 80.

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Que donnez-vous à l'enfant qui a tout ?

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Papa a dit tout ce que je voulais. N'importe quoi dans le magasin.

Il y a donc ce film dont je me souviens très bien. Il s'appelle "Le jouet".

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Pour Eric Bates, c'était le seul jouet du magasin de son père —

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Ce que vous me proposez n'est pas un travail, monsieur. C'est une insulte, et je suis insulté.

Richard Pryor, qui, à ce stade, si les gens faisaient un sondage et disaient, nommez le plus grand comédien vivant, Richard Pryor serait probablement en tête de liste de presque tout le monde. Il est recruté dans ce film par Jackie Gleason pour être le meilleur ami de son fils séparé. Lui verse de l'argent.

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Avec ce genre d'argent, si Eric se mouche, tu l'essuie.

Et l'idée est qu'il va se lier d'amitié avec ce gamin.

Si vous voulez un ami, vous n'achetez pas un ami. Vous gagnez un ami.

Qui est au départ assez odieux. Pendant ce temps, le gars qui – le personnage de Jackie Gleason est un fanatique et un raciste, et à un moment donné, le personnage de Richard Pryor doit apprendre que ce n'est pas cool, et qu'être père c'est plutôt bien aussi.

Pourquoi Richard Pryor prendrait-il ce genre de rôle ?

Votre supposition est aussi bonne que la mienne. Mais c'est comme, pourquoi est-ce que quelqu'un prend l'un de ces rôles? Parce qu'ils n'ont rien d'autre à faire s'ils veulent être dans des films. Vous n'avez pas beaucoup de Noirs qui écrivent et réalisent des films. La plupart des personnes qui écrivent ces émissions et réalisent et écrivent ces films sont des Blancs dont les idées sur les Noirs viennent de la culture populaire qui existait avant la culture populaire qu'ils créent. Cela ne vient généralement pas de relations réelles avec de vrais Noirs. Et si c'est le cas, c'est compromis par l'idée qu'il n'y a pas grand-chose qu'ils peuvent imaginer faire en premier lieu par une personne noire. Donc, cette idée de représentation derrière la caméra devient également importante pendant cette période. Mais je veux dire, pour nos besoins, ce sont les Blancs qui imaginent les Noirs, pour les Blancs. Et puis dans les années 2000, vous avez un exemple très simple et classique de ce problème.

J'ai eu un travail aujourd'hui en écrivant pour le Jackson Journal.

Dans un film comme "The Help", un autre nominé pour le meilleur film.

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Aibileen, tu as renversé quelque chose.

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Pardonne-moi, Seigneur, mais je vais devoir tuer cette femme, Aibileen.

Et c'est essentiellement l'histoire de quelques bonnes dans une ville du sud.

Tu as dit d'écrire sur ce qui me dérange, surtout si ça ne dérange personne d'autre. J'aimerais écrire quelque chose du point de vue de l'aide. Je veux vous interviewer.

Qui finissent par être écrits comme un exposé.

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Je vais vous aider avec vos histoires.

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Du mauvais traitement qu'ils reçoivent de la part de leurs maîtresses blanches.

On dirait Jackson, si vous me demandez.

Et le livre devient un hit. Mais cela finit par mettre en péril la vie, la sécurité et le confort des femmes elles-mêmes.

Dites à Aibileen, est-ce que j'ai des projets pour elle. Tu es une femme impie.

Et quel est le fantasme dans « The Help » ?

Eh bien, le fantasme est que vous pouvez améliorer la vie des femmes opprimées à l'époque de Jim Crow, au cours de laquelle, vous savez, les Noirs étaient traités de toutes sortes d'horribles - la mort, la déshumanisation, toute sorte d'iniquité à laquelle vous pouvez soumettre une personne. les Noirs affrontés sous Jim Crow. Et en écrivant ce livre, ce que fait le personnage principal blanc de ce film, il est censé améliorer ces vies. Et le fantasme, c'est que cette femme puisse entrer, interviewer ces femmes noires, elles donneront leurs histoires à cette femme blanche, qui écrira un livre, en vendra un tas d'exemplaires. Et ces femmes noires vont être laissées à elles-mêmes. Mais le fantasme que cette femme est autorisée à avoir à propos de sa bienveillance est qu'elle fait réellement une différence et va créer un moyen par lequel ces femmes peuvent être mieux traitées par les femmes blanches pour lesquelles elles travaillent.

Alors qu'en fait, dans certains cas, elle aggrave les choses.

Elle aggrave les choses. Le dernier plan de ce film est vraiment tragique.

Mae Mobley était mon dernier bébé. En seulement 10 minutes, la seule vie que je connaissais était terminée.

C'est juste Viola Davis marchant sur une route - sans travail, d'ailleurs.

Dieu dit que nous devons aimer nos ennemis.

Cela crée en quelque sorte l'impression qu'Emma Stone est en quelque sorte décrochée et que Viola Davis est accrochée. Et le fantasme de la réconciliation est que l'éclaircissement de la conscience et l'acte d'exprimer de l'empathie ou de la sympathie ou quelque chose est suffisant.

Je suppose que je veux vous pousser là-dessus. Le fait de passer du temps avec des personnes différentes de nous ne nous rend-il pas intrinsèquement plus empathiques ? Et pourquoi serait-ce autre chose qu'une bonne chose ?

C'est une question profonde. La réponse immédiate, cependant, est que c'est selon les termes des Blancs. Il n'y a rien de commun dans aucun de ces films, dans aucun de ce travail. Ce n'est pas réciproque du tout. Vous n'entrez pas dans les maisons et la vie de ces personnages noirs. Et ils sont présentés comme si bons qu'ils n'ont aucune agence. Maintenant, "The Help" repousse un peu cela. Mais pour être juste, je veux dire, si le film fonctionne, et cela fonctionne comme un film, il est très facile d'ignorer beaucoup de ces problèmes. Un film bien fait est efficace comme mécanisme de lancement de sorts, n'est-ce pas ? Vous savez, vous regardez un film comme "The Help", et vous êtes comme, mais elle a écrit le livre. Elle a fait connaître la vérité sur la gravité de la situation pour ces bonnes. Et que peut-elle faire de plus ? Que veux-tu qu'elle fasse de plus ? Elle a fait son travail. J'ai juste l'impression que c'est une excellente façon de ressentir, mais j'aimerais voir la version d'une femme noire de "The Help". Mais je ne pense pas que vous verriez cela, parce que les Noirs ne veulent pas raconter cette histoire. Et l'autre chose à propos de ces films qui vaut vraiment la peine d'être notée, en particulier ceux qui se rapprochent des Oscars, ces fantasmes de réconciliation raciale se déroulent presque toujours dans le passé. Ils se déroulent tous à l'époque de Jim Crow, dans le Sud pour la plupart, et impliquent quelque chose à propos de la relation entre la personne blanche et la personne noire étant inégale, que ce soit le Q.I de la personne noire. dans "The Green Mile" ou le statut social de la personne noire dans "The Help". Ce sont donc des films qui diraient qu'ils croient en l'égalité, mais il n'y a rien d'égal dans les races qu'ils contiennent. Il y a un déséquilibre inhérent. Et le fantasme, bien sûr, consiste simplement à reconnaître que les Noirs existent et à leur donner quelques répliques et à choisir un bon acteur pour les jouer est une sorte d'argument pour une égalité. Mais ce n'est pas le cas, si vous regardez la façon dont ils fonctionnent au sein du système que le film a créé pour lui-même.

Alors expliquez-moi précisément comment vous voyez ce fantasme de réconciliation raciale se dérouler dans « Livre vert ». Et je n'ai pas vu le film, alors gardez cela à l'esprit.

Vous allez vous régaler, mon ami. Nous voici donc en 2019, et imaginez tout ce progrès en 30 ans. C'est donc l'année où les films n'ont jamais été aussi noirs, et les films noirs que vous obtenez n'ont jamais été aussi bons, n'est-ce pas, en tant que classe de films. Vous avez un film comme "Blindspotting", "Désolé de vous déranger", "Black Panther", "BlacKkKlansman". Vous avez "Si Beale Street pouvait parler". Vous avez des « veuves ». cela arrive un an après que "Get Out" ait été un succès. Et cela arrive un an après que "Moonlight" a remporté le prix du meilleur film.

Tous ayant des protagonistes noirs majeurs.

Des protagonistes noirs majeurs ? Ils ont été écrits et réalisés par des Noirs. C'est une affaire énorme. C'est significatif. Nous y sommes donc, 2018. Ce film intitulé « Livre vert » commence à faire son chemin à travers le pays. Et ce devrait être l'histoire d'un homme nommé Don Shirley, un musicien noir qui n'est plus avec nous, et le voyage qu'il décide de faire dans le Grand Sud en 1962. 1962. Comme, Jim Crow Deep South, 1962. Et il a besoin de quelqu'un pour pouvoir l'amener d'un endroit à l'autre.

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Un type a appelé ici, un docteur. Il cherche un chauffeur. Vous êtes intéressé ?

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Je ne suis pas médecin. Je suis un musicien. Je suis sur le point d'embarquer pour une tournée de concerts dans le Grand Sud. Quelle autre expérience avez-vous ?

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Ce doit être quelqu'un de costaud, avec un peu de muscle, qui n'a peur de rien, mais qui est aussi évidemment blanc.

Prévoyez-vous des problèmes à travailler pour un homme noir ? Vous dans le Grand Sud ? Il va y avoir des problèmes.

Alors il décide que l'homme pour le travail est un gars nommé Tony Vallelonga, une sorte de videur du Bronx. Maintenant, ce que je viens de vous dire est le contraire de ce qu'est réellement le film. Le film est en fait l'histoire de Tony Vallelonga, et comment il reçoit un jour un appel de quelqu'un pour un travail. Et il va rencontrer Don Shirley, qu'il voit et se dit, je conduis pour toi ? Pas du tout, je ne fais pas ça. Et Don Shirley, bien sûr, c'est comme, mais j'ai besoin de toi, tu es mon homme. Vous semblez être la personne la plus qualifiée pour le poste. Veuillez le faire. Conduis moi. Il consent. Ainsi commence une amitié presque entièrement du point de vue de Tony Vallelonga.

Oui. Tony est le protagoniste de ce film. Nous passons les 25 premières minutes avec lui. Et j'ai vu l'affiche de ce film, et l'affiche représente Viggo Mortensen sur le siège avant, Mahershala Ali, qui joue Don Shirley, sur le siège arrière. La première chose à laquelle j'ai pensé était, oh mon dieu, tu te moques de moi.

C'est à nouveau « Driving Miss Daisy » ! Nous sommes à nouveau en 1989. Je ne peux pas croire cela.

Kentucky Fried Chicken. Au Kentucky. Quand cela arrivera-t-il un jour ?

Je veux dire, c'est une comédie tout au service de vous faire sentir bien à l'idée que le raciste Tony Vallelonga peut devenir de moins en moins raciste en conduisant Don dans un endroit que le film veut que vous compreniez est plus raciste que Tony.

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J'ai le seau pour que vous en ayez.

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Je n'ai jamais mangé de poulet frit de ma vie.

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Qui est-ce que tu conneries? Vous aimez le poulet frit, le gruau et le chou vert. Je l'aime aussi. Les cuisiniers noirs en faisaient tout le temps quand j'étais dans l'armée.

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Vous avez une évaluation très étroite de moi, Tony.

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Non, non, tu n'es pas bon. Tu es mauvais. Je dis juste parce que d'autres nègres apprécient certains types de musique, cela ne veut pas dire que je dois le faire, et nous ne mangeons pas tous le même genre de nourriture.

Tony est comme un raciste de dessin animé gentil, amical et adorable. Mais je veux dire, il n'est rien comparé à ces gens de Jim Crow. Vous savez, ces racistes confédérés qui utilisent le mot N toutes les 15 minutes et ont des drapeaux confédérés partout et vont battre Don pour tousser. Nous n'avons jamais vu Tony faire ça. Tout ce film est – oh mon dieu, c'est un véhicule littéral pour faire passer Tony du racisme à la réconciliation en moins de deux heures.

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Mange le. Allez. Prends-le, prends-le, prends-le. Je dois conduire. 10 et 2 sur la roue. Allez, prends-le. Prends-le. Allez allez.

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Mangez la chose [juron]. Jésus.

Ainsi, les Oscars de cette année ont lieu dimanche soir, 30 ans après que "Driving Miss Daisy" a remporté le prix du meilleur film, et "Do the Right Thing" de Spike Lee n'est même pas nominé pour le meilleur film. Qu'est-ce qui vous passe par la tête au fil de la soirée ? Je suppose que vous le regardez.

Ouais, je l'étais. Je le regardais. Je veux dire, je dois le regarder.

Voici les nominés pour la meilleure photo.

Je veux dire, évidemment, il y a une jutosité, non? Il y a une sorte de jutosité morale. Vous avez "Green Book" nominé pour le meilleur film et quatre autres Oscars. Et puis vous avez Spike Lee de retour aux Oscars de manière compétitive pour la première fois depuis cette défaite aux Oscars en 1990 pour "Do the Right Thing". Il a été nominé une autre fois, mais c'est comme – c'est la table des grands si vous êtes Spike Lee.

Donc nous en sommes là.Nous avons un peu de SSPT, car un film qui ressemble à "Driving Miss Daisy" est confronté à un film de "BlacKkKlansman" -

Il n'y a jamais eu de flic noir dans cette ville. Nous pensons que vous pourriez être l'homme pour ouvrir les choses ici.

Cela présente un homme noir du département de police de Colorado Springs, qui, par téléphone, infiltre le K.K.K., se faisant passer pour un blanc espérant le rejoindre.

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C'est Ron Stallworth qui appelle. Avec qui est-ce que je parle ?

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Grand Magicien du Ku Klux Klan, ce David Duke ?

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La dernière fois que j'ai vérifié. Pour quoi puis-je vous faire ?

Et il essaie évidemment de dépeindre une scène raciale plus précise que "Green Book" essaie de dépeindre.

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Nous devons nous unir et nous organiser pour lutter contre le racisme.

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Êtes-vous en faveur de la libération des Noirs ?

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Tout le pouvoir à tout le peuple.

Tout le pouvoir à tout le peuple.

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Il s'agit en quelque sorte d'un match revanche de 1989, 1990.

Il s'agit d'un match revanche spirituel impliquant l'un des participants réels, mais dans différentes catégories, n'est-ce pas ? Et donc les enjeux sont les suivants. Si « Livre vert » gagne et que vous avez un film comme « BlacKkKlansman » nominé pour le meilleur film, qu'est-ce que cela vous dit de la situation de l'académie en tant que corps et de ses priorités en termes de point de vue ? importe au plus grand nombre ?

Et l'Oscar revient à "Green Book".

Et donc je sens que je comprends vraiment pourquoi ce film a gagné. Il croit vraiment que Don Shirley insiste pour que Tony Vallelonga soit dans sa vie fait de Tony une meilleure personne. Ça fait du bien, non ? Cela fait du bien de voir une personne faire un changement positif d'un endroit mauvais à un endroit sans doute bon. Et je ne sais pas, il y a juste - c'est très difficile de résister à ça. Je veux dire, pour les gens qui l'aiment, c'est un très bon film. C'est amusant, et c'est drôle. Et il est fait par Peter Farrelly des Farrelly Brothers, les personnes qui vous ont apporté "Something about Mary" et "Shallow Hal" et "Me, Myself and Irene". Ces gars savent comment faire une comédie. C'est ce qu'ils font. Et c'est ce qu'est ce film, à 100% - c'est une comédie. Et je ne pense pas que la plupart des gens regardent des films aussi moralement. Et il y a des gens qui – vous en parlez, et je suis comme, mais qui est Don Shirley dans ce film? Les gens s'énervent. Écoutez, il s'agit d'amitié interraciale. Il s'agit de combler le fossé entre les races. Comment oses-tu? C'est un bon film. Et cela dit quelque chose de positif.

Pourquoi veux-tu de la négativité dans le monde ? Et je n'ai jamais de bonne réponse à cela, parce que ces gens – ces gens n'ont pas tort. Mais j'ai aussi l'impression que ce film n'est la solution à rien. C'est la perpétuation des mêmes problèmes que nos divertissements nous posent depuis qu'ils ont commencé.

Alors Wesley, qu'est-ce qui est important dans ce prix du meilleur film ? Qu'est-ce que cela signifie que l'académie a choisi un film comme celui-ci - un avec, pour utiliser vos mots, ce fantasme de réconciliation raciale comme si central à son intrigue - comme le meilleur film de l'année ?

C'est un fantasme. Et cela ne fait rien pour traiter ou reconnaître les problèmes d'infrastructure qui maintiennent les races divisées. Au contraire, l'enthousiasme pour un film comme "Green Book" ne fait que aggraver le problème, à certains égards. Parce que cela donne l'impression que les films ne se soucient pas de la façon dont le racisme fonctionne réellement. Ils veulent juste faire disparaître le racisme. Je veux dire, permettez-moi de le dire de cette façon. Je vais le dire dans les termes les plus humains possibles – des termes personnels. J'ai des amis blancs. Je vois très peu d'art sur le genre d'amitiés que j'ai avec les Blancs. J'ai des amitiés avec des Blancs qui n'impliquent pas qu'ils se sentent mieux face à leur racisme, dans la mesure où ils l'ont. On parle de ce truc. Genre, pourquoi as-tu dit ça ? Pourquoi fais-tu ça? Ce ne sont pas des conversations cataclysmiques. Ces relations reposent sur une curiosité mutuelle. Ces gens veulent savoir à quoi ressemble ma vie en tant que personne noire. Ils veulent savoir à quoi ressemble ma famille, quelle est mon histoire familiale. Il y a un donnant-donnant. Il y a une vraie remise en question des problèmes systémiques plus larges dans ce pays qui affectent la relation que je suis même capable d'avoir avec ces blancs. Et ce n'est pas la chose que vous voyez discutée dans ces films. Je pense que les films ont l'obligation de nous divertir, mais je pense qu'ils ont aussi l'obligation d'être justes envers certains aspects de la réalité sociale. Parce que les gens tirent des leçons de ce genre de choses. Tout ce que je dis, c'est que "Green Book" est une autre version d'un film que nous regardons depuis 100 ans.

Wesley, je suis vraiment frappé que je pense que c'était il y a environ un mois, vous avez écrit un essai pour le Times dans lequel vous avez en quelque sorte exposé tout ce dont nous parlons maintenant. Vous nous avez rappelé qu'il y a 30 ans, "Driving Miss Daisy" a gagné, et que cette idée du fantasme de réconciliation raciale reste prédominante à Hollywood et était au centre de "Green Book". Et vous sembliez en quelque sorte suggérer avec prévoyance que ce film pourrait gagner et qu'il pourrait l'emporter en raison de la puissance de ce concept que vous décrivez. Et c'est exactement ce qui est arrivé.

Je veux dire, écoute, il y a une partie de moi qui est comme, je n'ai jamais raison sur les lauréats des Oscars. Mais je viens de ressentir celui-ci. J'ai ressenti celui-ci. J'avais l'impression qu'il y avait une façon dont ce qui s'est passé dimanche reflète tout ce qui se passe dans ce pays en ce moment, où une partie de la population se sent vraiment paranoïaque et un peu en danger et s'inquiète de se sentir déplacée ou délogée par monnaie. Et dans la mesure où les gens qui font nos films sont un microcosme de la nation au sens large, l'académie subit quelques changements, et elle devient moins blanche et moins masculine. Et je pense qu'ils vont, par exemple, s'accrocher encore plus à des choses qui leur semblent sûres et familières. Et c'est un film qui se sent en sécurité et réconfortant d'une certaine manière. Parce que cela leur permet de croire que d'une part, ils peuvent dire qu'ils donnent leur plus grand honneur à un film sur une amitié interraciale et sur la réconciliation raciale.

Mais pour moi, ce que ça dit d'eux est aussi un fantasme, non ? C'est aussi un fantasme qui dit que ce symbole d'excellence, et ce symbole de nos goûts et de notre croyance en tant que corps, ou du moins les personnes qui ont voté pour cela, reflètent vraiment en quelque sorte ce que nous devrions être en tant que nation. Et ce n'est pas ce que nous sommes. Donc, l'aspiration que nous pouvons simplement faire disparaître ce racisme en courant et en trouvant la personne noire la plus proche pour nous payer pour être de meilleures personnes est absurde. Et je pense que c'est ce qui s'est passé dimanche.

Wesley, merci beaucoup.

Wesley a parlé de "Green Book", de la course et des Oscars avec sa co-animatrice, Jenna Wortham, dans le dernier épisode de leur podcast, "Still Processing".

Un casse-tête avec ces films, même aussi bien réalisés que "Driving Miss Daisy", est qu'ils idéalisent leurs lieux de travail et traitent leurs personnages noirs comme le pied de biche idéal pour les esprits blancs fermés et les vies isolées.

Qui sait pourquoi, dans "The Upside", Phillip choisit le Dell grossier et sous-qualifié pour le conduire, changer son cathéter et partager son appartement somptueux. Mais à la fin du film, ils font du parapente ensemble jusqu'à Aretha Franklin. On nous dit que c'est basé sur une histoire vraie. Ce n'est pas. C'est un remake d'un mégahit français bien plus nauséabond - "Les Intouchables" - et cette prétendait être basé sur une histoire vraie. "The Upside" semble basé sur l'un de ces films paternalistes des années 80, "Disorderlies", celui où les Fat Boys font rouler un Ralph Bellamy malade autour de son manoir.

La générosité et la tolérance de Phillip font passer Dell d'opéraphobe à curieux d'opéra à reine d'opéra, ce qui a permis à Dell de se permettre de sortir son ex et leur fils des projets et de permettre à Dell de faire un tour avec les voitures de luxe de son patron, que ce soit ou non, il chevauche un fusil de chasse. Et Dell propose des divertissements (et des médicaments) qui soulagent le sentiment d'isolement et de gêne de Phillip. Mais c'est aussi un film qui a besoin de Dell pour voler l'une des premières éditions antiques de Phillip comme cadeau surprise à son fils dont il est séparé, et non une copie d'un roman de Judith Krantz ou de Sidney Sheldon non plus. Il glisse "Les aventures de Huckleberry Finn" (et pour l'atteindre, sa main doit également sauter quelques livres d'Horatio Alger). La plupart de ces aventures d'amitié entre les Noirs et les Blancs ont été prédites par Mark Twain. Quelqu'un est Huck blanc et quelqu'un d'autre est son acolyte noir amusant, Jim. Ce film est juste un peu plus flagrant à ce sujet.

Il existe une façon de considérer l'inversion des rôles dans "Green Book" comme une mise à niveau. Par l'intermédiaire de sa maison de disques, Don embauche un videur de boîte de nuit blanc nommé Tony Vallelonga. (La plupart des gens l'appellent Tony Lip.) Nous ne rencontrons pas Don pendant environ 15 minutes, car le film a besoin que nous sachions que Tony est un dur à cuire doux et Eye-talian qui jette également de la verrerie parfaitement bonne parce que sa femme laisse noir les réparateurs en boivent.

À ce stade, vous avez peut-être entendu parler de la scène du poulet frit dans "Green Book". Cela arrive tôt dans leur voyage sur la route. Tony est choqué de découvrir que Don n'a jamais mangé de poulet frit. Il semble également n'avoir jamais vu personne manger poulet frit non plus. (« Que faisons-nous à propos des os ? ») Ainsi, avec toute l'empressement graisseux et la grossièreté exubérante que Mortensen peut évoquer, Tony montre comment le manger en conduisant. En tant que comédie, c'est magistral - il y a de la tension, de l'ironie et, lorsque la voiture s'arrête et recule pour récupérer des déchets, une ligne de punch qui fait tomber la maison. Mais la comédie ne fonctionne que si le pianiste noir de fusion pop classique vient de l'espace (et non à la manière de Sun Ra). Tu es censé rire parce que comment ce raciste pourrait-il être meilleur pour être noir que cet homme noir qui est censé être meilleur que lui ?

Le film que Peter Farrelly a réalisé et écrit, avec Brian Currie et Nick, le fils de Tony, ressemble étrangement à "Driving Miss Daisy", mais du même sexe, avec Don comme Daisy et Tony comme Hoke. En effet, "Miss Daisy" présente également une scène de poulet frit, une scène délicate, dans laquelle Hoke lui dit que la flamme est trop élevée sur la poêle et elle lui fait signe de partir. Une fois qu'il a quitté la cuisine, elle ajuste furtivement, à contrecœur, le brûleur. C'est comme si Farrelly avait regardé cette scène et pensait qu'il avait besoin d'un bâton de dynamite de dessin animé.

Avant de partir, un personnage blanc de la maison de disques de Don donne à Tony une liste d'endroits accueillants pour les Noirs où loger Don: The Green Book. L'idée du « Livre vert des automobilistes noirs » appartient à Victor Hugo Green, un employé des postes, qui l'a présenté en 1936. Il a guidé les voyageurs noirs vers l'essence, la nourriture et l'hébergement sans stress dans le Sud ségrégué. L'histoire de son invention, de sa distribution et de sa mise à jour est une histoire amusante, revigorante, poignante et pleine de suspense d'un réseau social étonnant, et mérite un film en soi. En attendant, pourquoi Tony a-t-il besoin d'un livre vert ? Il est le Livre Vert.

Le slogan du film est "basé sur une véritable amitié". Mais la nature transactionnelle de celui-ci fait que l'amitié semble moins vraie que sponsorisée. Alors à quoi sert l'argent, exactement ? Les personnages blancs – les biologiques et quelqu'un qui ne serait pas assez noir, comme Don fictif – sont des personnes solitaires dans ces films payants. L'argent est ostensiblement destiné à une assistance légitime, mais il semble également couvrir tout ce qui est potentiellement lourd en matière de race. La relation est entièrement enrôlée en tant que service et liée par le capitalisme et le saut fantastiquement présomptif est, L'argent n'a pas d'importance parce que je Comme travailler pour vous. Et si vous êtes raciste dans la relation : Je ne peux pas être horrible parce que nous sommes amis maintenant. C'est pourquoi le câlin que Sandra Bullock fait à Yomi Perry, l'acteur jouant sa femme de chambre, Maria, à la fin de "Crash", reste le geste le plus dérangeant du genre. Ce n'est pas de l'amitié. L'amitié est réciproque. Ce câlin est du cannibalisme.

L'argent achète à Don un chauffeur et, apparemment, une éducation dans les traditions et la culture noires. (Petit Richard ? Il ne l'a jamais entendu jouer.) La vraie famille de Shirley s'est opposée au portrait. Leurs plaintes incluent qu'il n'était séparé ni des Noirs ni des Noirs. Même sans ce pouce vers le bas, vous pouvez sentir à quel point il s'agit d'un fantasme particulièrement pervers : cette absolution réside dans un homme noir castré qui a besoin d'un homme blanc non seulement pour le protéger et le servir, mais aussi pour l'aimer. Même si ce type, sa famille italo-américaine et ses associés qualifient Don et d'autres Noirs d'aubergine et de charbon. Selon le film, leur racisme est préférable à son méchant cousin du sud, car leur racisme est souvent parlé en italien. Et, hé, au moins Tony ne demande jamais à Don de manger son dîner chic dans un placard à fournitures.

Mahershala Ali joue l'isolement et la morosité de Shirley, mais le film détermine que manger avec des racistes est mieux que de manger seul. L'argent achète à Don la sécurité relative, l'amitié, le transport et un collège noir qui parle à pied. Ce que l'argent ne peut pas lui acheter, c'est davantage l'intrigue de son propre film. Cela ne peut pas lui permettre de se prélasser dans son propre art unique et rêveur. Cela ne peut pas le libérer d'un film qui le place là où Miss Daisy était assise, mais le traite moins bien que Hoke. Il est littéralement un passager du voyage de cet homme blanc. Tony apprend qu'il aime vraiment les Noirs. Et grâce à Tony, maintenant Don fait de même.

Dernièrement, la version noire de ces relations interraciales a tendance à aller dans la direction opposée. Dans la version noire, d'une part, il ne s'agit pas d'argent ou de travail, mais du travail émotionnel et psychologique réel d'être noir parmi les blancs. Ici, la proximité de la blancheur est toxique, un danger, une menace. C'est l'idée maîtresse du drame de scène de Jeremy O. Harris « Slave Play », dans lequel l'héritage traumatique de la vie dans les plantations pollue la moitié noire des relations interraciales de la série. C'est un exemple particulièrement explicite et ingénieux. Mais presque aucune des œuvres que j'ai vues l'année dernière par des artistes noirs - pas la pièce tout aussi audacieuse de Jackie Sibblies Drury "Fairview", ni "Sorry to Bother You" de Boots Riley, ni "Blindspotting", que Daveed Diggs a co-écrit. et joue dans, pas dans "Si Beale Street pouvait parler" de Barry Jenkins ou "Black Panther" de Ryan Coogler - met l'accent sur la douceur et les joies de l'amitié interraciale et certainement pas par l'emploi. La santé de ces connexions est au mieux incertaine.

En 1989, Lee était à peu près seul en tant que voix de la réalité raciale noire. Son pragmatisme irrité a maintenant de la compagnie et, aux Oscars, il fait également l'objet d'une rude concurrence. Il a aidé à planter les graines d'un environnement dans lequel les artistes noirs peuvent regarder de travers la race. Mais beaucoup d'entre nous ont encore besoin du sentiment de contentement racial fantastique que des films comme "The Upside" et "Green Book" lancent. J'ai vu "Green Book" avec un public payant, et cela fait craquer les gens comme le font toutes les comédies de Farrelly. Le type de fermeture qu'il propose est comme une drogue que Lee n'a jamais vendue. Les images de l'émeute de Charlottesville qu'il inclut comme épilogue dans "BlacKkKlansman" pourraient enterrer le film lâche, essentiellement comique, auquel il est attaché dans une lave furieuse. Lee connaît trop bien le passé pour ne jamais laisser le présent décroché. Les volcans de ce pays n'ont jamais été en sommeil.

L'étreinte de Lee par l'académie à ce stade de sa carrière (il s'agit de sa première nomination au meilleur réalisateur) suggère qu'il s'agit de ce qui le perturbe. Bien sûr, "BlacKkKlansman" s'attaque à la méchanceté indéniable du KKK dans les années 1970. Mais ce qui a mis Lee sur la carte il y a 30 ans, c'est son intrépidité à dénoncer le sectarisme universel et décontracté du moment, comme celui de Daisy et de Tony. Il fait chaud comme l'enfer dans "Do the Right Thing", et dans la chaleur, presque tout le monde a un problème avec qui est quelqu'un. La pizzeria de Sal (Danny Aiello) ressemble à une maison de haine. Finalement, le livreur de Sal, Mookie (joué par Lee), incite à une mêlée en lançant une poubelle à travers la vitrine du magasin. Il avait déjà eu une conversation avec Pino (John Turturro), le fils raciste de Sal, dans laquelle il dit à Mookie que les Noirs célèbres sont « plus que noirs ».

La fermeture est impossible car le sang est trop mauvais, trop historiquement américain. Lee avait évoqué un environnement social qui est à l'opposé de ce que croient "The Upside", "Green Book" et "Driving Miss Daisy". Dans l'une des toutes dernières scènes, après la destruction de la maison de Sal, Mookie exige toujours d'être payé. À ce jour, les billets de Sal en boule à Mookie, un par un, me choquent. Il est mortellement offensé. Mookie est impassible. Ils sont dans une impasse dure et anti-romantique. Nous avions tous été élevés dans des fantasmes de réconciliation raciale. Pourquoi Mookie et Sal ne peuvent-ils pas être amis ? La réponse est trop longue et trop crue. Sal peut payer Mookie pour livrer des pizzas jusqu'à l'arrivée du royaume. Mais il ne pourrait jamais le payer assez pour être son ami.


Les meilleurs crimes et thrillers récents – résumé des critiques

The Burning Land de George Alagiah, Elevator Pitch de Linwood Barclay, Through the Wall de Caroline Corcoran, Never Have I Ever de Joshilyn Jackson, The Family de Louise Jensen et A Shadow on the Lens de Sam Hurcom

The Burning Land se déroule en Afrique du Sud, «un pays qui lutte pour se redéfinir». Photographie : Kim Ludbrook/EPA

The Burning Land se déroule en Afrique du Sud, «un pays qui lutte pour se redéfinir». Photographie : Kim Ludbrook/EPA

Le journaliste de la BBC George Alagiah a beaucoup travaillé en Afrique du Sud et il a mis ses connaissances à profit dans son premier roman. La Terre Brûlée (Canongate, 14,99 £) est un thriller politique qui oppose la perception d'une « nation arc-en-ciel » post-apartheid d'égalité des chances avec la réalité corrompue et souvent violente, dans laquelle le fossé entre riches et pauvres se creuse de jour en jour. Des accords louches conclus par des personnes au sommet entraînent la vente de vastes étendues du pays à des investisseurs étrangers, laissant ceux qui l'exploitaient sans emploi ni logement. L'activiste Lesedi Motlantshe, fils d'un éminent militant anti-apartheid qui est maintenant occupé à remplir ses poches, est assassiné. Amis d'enfance, Lindi Seaton, la fille bien intentionnée de libéraux blancs qui travaille dans la résolution des conflits, et Kagiso Rapabane, le fils militant de l'ancienne gouvernante des Seaton, forment une alliance maladroite afin de découvrir la vérité. Bien qu'Alagiah fasse un temps assez lourd de la mise en scène et de l'exposition nécessaires, cela vaut la peine de s'y accrocher, car l'intrigue passe à la vitesse supérieure et devient un récit captivant d'événements incontrôlables dans un pays qui a du mal à se redéfinir.

Les choses s'échauffent à Manhattan dans le dernier roman de Linwood Barclay Résumé en quelques secondes (HQ, 20 £): quelqu'un manipule les ascenseurs, provoquant la chute de personnes et conduisant, dans une ville pleine de gratte-ciel, à une panique généralisée. Cela pourrait être l'œuvre des Flyovers, un groupe « alt-right » avec des griefs contre les élites libérales, ou cela pourrait être quelqu'un avec un agenda tout à fait plus personnel… Alors que le détective NYPD Jerry Bourque enquête sur le meurtre d'un technicien d'ascenseur, le maire Richard Headley agonise sur ce qu'il faut faire, et sa critique numéro un, la journaliste Barbara Matheson, essaie de découvrir la vérité. L'intrigue, qui implique également le fils de Headley et la fille de Matheson, est quelque peu artificielle, mais Barclay fait du bon travail pour garder tous les personnages en jeu dans un thriller efficace qui appuie sur tous les bons boutons.

Il y a plus d'enfer dans les gratte-ciel À travers le mur (Avon, 7,99 £), un premier roman de la journaliste Caroline Corcoran. Lexie et Harriet sont voisines dans un immeuble londonien chic mais mal insonorisé. Lexie est devenue indépendante et a des relations sexuelles soigneusement programmées avec son partenaire Tom dans le but de tomber enceinte. De plus en plus isolée, elle passe une grande partie de la journée en pyjama, écoutant Harriet, sa voisine glamour et fêtarde, et l'envie. Pendant ce temps, Harriet, une buveuse black-out sans vrais amis, est obsédée par Lexie, dont elle pense que la vie est parfaite, grâce à la personnalité en ligne soigneusement organisée de Lexie. Le duo se passe le relais narratif pour une incursion largement réussie dans Fille dans le train territoire, plein de jalousie, de traque, d'éclairage au gaz et de contrôle-freakery, bien que les lecteurs habituels de thrillers psychologiques puissent trouver la révélation, quand il s'agit, d'être quelque chose d'une déception.

L'outsider destructeur de l'auteur américain Joshillyn Jackson Je n'ai jamais (Raven, 12,99 £) est Roux, nouveau venu dans une communauté de banlieue à Pensacola, en Floride. Lorsqu'elle détourne un club de lecture de mères en lançant un jeu de confession alimenté par le vin («Quelle est la pire chose que vous ayez jamais faite?», L'instructeur de plongée Amy sent le trouble. Non seulement l'affaire du mari de sa meilleure amie est révélée, mais il est clair que Roux connaît le propre secret d'Amy, un crime commis à l'adolescence qui la hante depuis et a l'intention de la faire chanter. Déterminée à se protéger elle-même et sa famille, Amy riposte en fouillant dans le passé de son bourreau pour découvrir sa secrets. Jackson fait monter les enchères encore et encore dans ce roman savamment élaboré.

En juillet, c'était le 50e anniversaire des meurtres de Sharon Tate et de ses amis par les adeptes de Charles Manson et le culte allumé semble avoir un moment. Dans La famille par Louise Jensen (HQ, £ 7,99), la veuve Laura est laissée émotionnellement et financièrement privée après la mort soudaine de son mari Gavan, et lorsque les membres d'une coopérative d'aliments biologiques qui vivent à proximité lui offrent, ainsi qu'à sa fille de 17 ans, Tilly un chez elle, elle accepte avec reconnaissance. Il devient vite clair que leur nouvelle "famille" n'est pas ce qu'elle semble être - les indices incluent les vêtements blancs, le leader charismatique et l'accent mis sur la sécurité. Bien que le culte lui-même ne soit pas entièrement convaincant, le roman est une très bonne étude de la vulnérabilité et de la façon dont nos meilleures intentions peuvent souvent nous égarer.

Une ombre sur l'objectif (Orion, 14,99 £) de Sam Hurcom utilise l'élément de base de l'horreur folklorique de l'étranger rationnel qui arrive dans un marigot superstitieux pour résoudre un mystère. Nous sommes en 1904 et Thomas Bexley, l'un des premiers photographes médico-légaux, se rend dans un village reculé du Pays de Galles pour enquêter sur le meurtre horrible d'une jeune fille. L'endroit est sinistre, les habitants maussades, les autorités désireuses de blâmer un groupe de Travellers, et le frustré Bexley tombe bientôt dans une fièvre, souffrant d'hallucinations épouvantables. Inégale et entachée d'anachronismes, c'est pourtant un début prometteur – gothique, claustrophobe et merveilleusement sombre.


Voir la vidéo: je ne veux plus monter dans une attraction (Juin 2022).


Commentaires:

  1. Sully

    Des images cool



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